Experimentar una auténtica muestra
del cine mundial Reseña de la edición 76 del Locarno Film Festival

Ningún
otro festival del globo puede presumir de tener una pantalla de cine al aire
libre para ocho mil espectadores. Es, de hecho, el espacio
más grande del planeta con esas condiciones específicas. Aquel sitio, denominado Piazza Grande, es el estandarte de la cita fílmica que se lleva a cabo cada mes de agosto en la localidad suiza de Locarno,
a orillas del lago Maggiore. Es tal la importancia y popularidad de aquella plaza para proyecciones públicas que incluso está representada en el reverso del billete nacional de veinte francos
suizos. Pero más allá de esta característica particular,
una cualidad que define plenamente a
este encuentro cinematográfico es la oportunidad de percibir una legítima exposición al estado del arte audiovisual actual proveniente de todos y cada uno de los continentes, convirtiéndose en un acercamiento al panorama general de la producción fílmica global.

Esa grata sensación de pluralidad se conjuga perfectamente con la heterogeneidad de formatos, géneros, duraciones y propuestas de los proyectos exhibidos. Una variedad tangible que sólo puede experimentarse apreciando la vastísima selección que compilan los programadores en cada edición. Siendo fundado en 1946 en el núcleo de la zona italoparlante de Suiza, en un momento en el que Europa y el resto de continentes acababan
de salir de la guerra,
el Festival de Locarno se fue convirtiendo gradualmente en uno de los
más importantes del cine mundial. Y, a pesar de no haber sido
celebrado en 1951 y 1956, logró mantener desde entonces una presencia anual ininterrumpida hasta la actualidad. Su galardón principal, el “Leopardo de Oro”, es también uno de los más emblemáticos y reconocidos desde que fue presentado por primera vez en la edición de 1968, y a través de su historia
ha sido entregado a cineastas como Raúl Ruiz, Mike Leigh, Jim Jarmusch, Claire Denis o Rodrigo García.

Al formar parte de la selecta lista de los dieciséis certámenes que han recibido
la identificación de “Clase A” en la
categoría de festivales de cine competitivos de la Federación
Internacional de Asociaciones de
Productores Cinematográficos (FIAPF), es más que comprensible el
honor que supone ser admitido
con un proyecto dentro de su selección. Es un objetivo ambicionado para muchos cineastas del globo, y sin lugar a dudas
puede resultar impresionante para cualquier espectador que tenga acceso a su cartelera la oportunidad de observar trabajos
de puntos tan distantes como Estonia,
Singapur, Serbia, Surinam o Filipinas.

Es así como justamente una de sus secciones permite
realizar un acercamiento específico a la actualidad del cine de Latinoamérica y el
Caribe. Esta selección, denominada “Open Doors”,
recoge largometrajes y trabajos de menor duración de países de dicha región, y en esta edición contó con la representación ecuatoriana de El Rezador (2021) de Tito Jara,
y el cortometraje Willkawiwa (El sagrado fuego de los muertos) (2023) de Pável Quevedo Ullauri que, con una narrativa
de atmosfera

mística y la idea central de la muerte, crea
imágenes intrigantes enmarcadas en el paisaje andino, mientras
acompañamos la búsqueda de su protagonista. Incluidos en este grupo de filmes, también estuvieron dos reconocidas cintas venezolanas, la opera prima de Nico Manzano, Yo y las Bestias (2021), y
el documental Érase una vez en
Venezuela (2020) de Anabel Rodríguez Ríos.

En el panorama
global, destacaron tres cortometrajes: Dammi (2023), del reconocido realizador francés Yann Demange, y protagonizado por Riz
Ahmed, que con una fluidez extremadamente lograda en sus imágenes y con una cinematografía impecable, nos permiten penetrar en las tribulaciones de un hombre que regresa
a París en medio de memorias que dotan a la historia
de una sensación de pulido onirismo
visual. Mientras que los otros dos trabajos resultaron ser coincidentemente dos
historias contadas a través de
animación stop motion,
que relatan con atmósferas inquietantes relaciones de pareja. Canard (2023), del director
suizo Elie Chapuis, presenta a un hombre y a una mujer que intentan concebir un hijo en medio de su granja de
patos, hasta que todo empieza a tomar un ambiente de pesadilla. Por su parte, The Lovers (2023) de la animadora sueca Carolina Sandvik, se acerca con su estilo al body horror de David Cronenberg, y logra un perturbador y enigmático resultado
que no carece de un oscuro sentido del humor.

Es realmente interesante cuando uno puede encontrar películas de horror en certámenes de gran prestigio,
y en esta ocasión La Morsure (2023), del francés Romain de Saint-Blanquat, nos narra el escape de una joven de una institución católica, que planea asistir a una fiesta, aun cuando presiente que ese será su último día de vida. La cinta genera sobre todo reminiscencias, en su estilo visual y rítmico, a filmes de terror
europeos de la década de los setenta, quizá especialmente a los
italianos. Su trama se desarrolla de forma calmada, enmarcada entre actuaciones
bastantes logradas de sus jóvenes protagonistas, mientras el espectador intenta encontrarle significado al título de la obra, que será revelado eventualmente. Otro ejemplo
de este mismo género dentro
de la muestra fue la estadounidense Falling Stars (2023), de los directores Gabriel Bienczycki y Richard
Karpala. El producto
final es notoriamente una producción con un
presupuesto bastante limitado, pero sus realizadores logran sobrellevar este
factor con recursos bastante acertados, como el fuera de campo y
la insinuación, para contar una historia de horror folklórico que construye sus propias reglas
y que puede llegar a sentirse genuinamente original. Incluso cuando
no logra ser exitosa en todos los campos la película es intrigante, y confía en la seriedad
de su relato manteniéndolo
con rigor.

También desde Estados Unidos
arribó el primer
largometraje de Lucy Kerr, Family Portrait (2023), que con una estética
experimental en cuanto a su narración, conjura de forma bastante fiel la
naturaleza de las reuniones familiares, entre incomodidades y tedio. La cineasta consigue
de su cast actuaciones que alcanzan bastante naturalidad, y
obtiene algunos planos secuencias que sugieren una precisa coreografía. Aunque la cinta quizá nunca llega a alcanzar tanta potencia de impacto durante su metraje, se permite ser hipnótica en varias secuencias, y avizora un atractivo futuro para los siguientes proyectos de su realizadora. Al mismo tiempo, otra directora que presentaba su primera obra de larga duración en el festival era la bosnia Una Gunjak, que con Ekskurzija (2023) logró acreditarse una mención especial

en la sección Concorso Cineasti del presente. A través de un drama
adolescente narrado con bastante calidez,
cuidado y realismo, Gunjak
consigue una interpretación muy lograda de su joven protagonista, que se encuadra
en la construcción de hechos
totalmente cotidianos, pero completamente posibles
y pertinentemente actuales.

Dentro de toda esta ingente vorágine de producciones audiovisuales, en la que no hay otra posibilidad que elegir
algunas opciones para perderse otras,
era de obligada visualización el nuevo largometraje del director Rainer Sarnet. El
realizador proveniente de Estonia, y responsable de la impresionante November (2017), presentó The Invisible Fight (2023), convirtiéndose tal vez en una de los filmes más extraños de todo el año. Desde la primera
imagen, uno puede
reconocer que no se encuentra en una cinta tradicional, sólo para continuar con un despliegue que sorprende aún más mientras va avanzando. La historia conjuga artes marciales,
iconografía religiosa rusa, misticismo, romance, comentarios sociales
y políticos, humor absurdo en clave de un metraje
de acción y comedia. Incluso
cuando, en mi opinión, no logra la poesía visual y dramática de su anterior filme de ficción, representa una de las obras fundamentales a no perderse este año, y merece totalmente ser vista para creerse, además de cimentar el trabajo de Sarnet
como uno de los más originales del cine contemporáneo.

Finalmente, Critical Zone (2023), del cineasta iraní
Ali Ahmadzadeh, se llevó el premio principal
del certamen, con un filme que mezcla ciencia ficción y drama, aunque personalmente la presentación más sugerente y destacable en mi experiencia fue la magnética película de la cineasta suiza Carmen Jaquier, Foudre (2022). Originalmente estrenada en el Festival de Toronto del año pasado,
la cinta ha sido ya elegida
por Suiza como su representante para los premios Oscar del año que viene. Desenvolviendo cuidadosamente y con
una fotografía bastante evocadora la historia de una joven que debe
marcharse de un convento
para regresar a su hogar, luego de la muerte de su hermana, la realizadora va desentrañando un misterio que al inicio parece
vacío, pero que se vuelve cada vez más enigmático en
cuanto a su naturaleza y
razón, y sobrecogedoramente más poético y
trascendentalmente filosófico, logrando
generar ideas sobre la esencia de la fe y la verdadera sensación de lo divino. Delicada, con una visualidad lírica, intelectualmente sugestiva y con una fuerza que persiste, el film de Carmen Jaquier fue la entrega más
destacable del encuentro. Y aunque en
ediciones anteriores presentó una muestra de cine más destacable, merece totalmente ser
revisado, pues alberga este tipo de obras.