228                            ÑAWI.
Vol. 3, Núm. 2 (2019): Julio, 229-235. ISSN 2528-7966, e-ISSN 2588-0934

Imagen: Pedro
Dávila

Álvarez,
L. X. y López Farjeat, L. X. (Comps.).

La belleza múltiple. Barcelona: Edicions Bellaterra.

Es un tópico en filosofía afirmar
que la belleza ha muerto.
Como una especie de divinidad olvidada, como una idea pasada que, si no sirve ya para describir las prácticas artísticas contemporáneas,
mucho menos para orientar la acción individual
hacia unos objetivos comunes. Por lo contrario, su negación confirma la
regla de que todo vale en el arte, una vez que éste ha conquistado su
autonomía. Que desde la categoría
de lo bello ya no se puede pensar las sociedades teniendo en
consideración el momento por el que pasan,
desde hace tiempo fragmentadas. Que tampoco es posible abrir paso hacia una comunidad estética, de sensibilidades,

que incorpore la multiplicidad
de voces que reclaman ser escuchadas, y a través de las cuales, en su fusión, podrían fundar un horizonte compartido con el que mirar al futuro.
Porque cuando todo vale, nada queda que sirva para establecer consenso alguno. Y, sin
embargo, lejos de aceptar las consecuencias lógicas del paradigma actual,
hay quienes se empeñan en mostrar sus desavenencias. Aconsejaba Schiller que hay que vivir
en nuestro siglo, pero sin ser un juguete
de él, y dar a los contemporáneos no aquello que garantice
el aplauso, sino lo que realmente necesiten. Él apostó por una liberación de la cultura
a través de la belleza de las pequeñas cosas, y el suyo fue un claro
ejemplo de estética de la resistencia.

Ahora, Lluís X. Álvarez y
Luis Xavier López Farjeat publican de la mano de Edicions Bellaterra una obra que es toda una declaración de intenciones: La belleza
múltiple. Con este
libro, lo bello vuelve a iluminar el pensamiento estético
filosófico para dejar clara una cosa: que la ausencia de la belleza es
el resultado de que el hombre no haya sido capaz de saber cómo
actualizar dicho concepto a las necesidades del siglo. La forma que adopta
actualmente, tal y como se manifiesta en la obra, es la de la multiplicidad.
Engloba múltiples artes, formas, sensibilidades, regiones, temas,
perspectivas. Pero no es una belleza inocente, pueril, sino más bien
resistente y combativa. Desde ella, los doce autores que participan en el libro
son capaces de pensar fenómenos tan variados como la cosificación
de la naturaleza, la marginación de minorías, el holocausto
judío, la sensibilidad propia y la ajena, la educación
estética o la situación por la que pasa el arte de un país. Y no es obra carente
de método. Dentro
de todos los trabajos incluidos,

el ensayo de Lluís X. Álvarez ofrece,
a modo de esbozo, las bases teóricas de una estética reivindicadora de la
belleza múltiple. En cuanto a la tradición en la que cabe
enmarcar esta belleza, ésta tiene origen moderno,
renacentista para mayor precisión, como se verá en el resumen del
capítulo correspondiente.

El corpus
del libro está compuesto por un total de doce capítulos de otros
tantos autores, repartidos en dos apartados: NATURALEZA, ARTES, ESTANCIAS, por
un lado,   y TEORÍA,
LUGARES, FIGURAS, por otro. Cada uno
de  los  trabajos  es
un  esfuerzo por aproximarse
al fenómeno de la belleza múltiple abarcando una gran variedad de
perspectivas, que permiten
al lector acercarse
a este concepto en algunas
de sus posibles manifestaciones.

La obra se abre con una presentación titulada
“La novedad de lo bello”, breve, pero sugerente y profética en la que su autor, Luis Xavier López Farjeat, se aventura
a anticipar el regreso de la
categoría que vertebra el libro, la belleza. Desdeñada en la
práctica artística contemporánea y, sin embargo, tan necesaria para la corrección de ciertos males presentes, la belleza aparece como fármakon en una de sus posibles
metamorfosis. Si en tiempos pretéritos el honor era uno de esos valores
que había que erradicar de la sociedad, por alejarse de aquella amistad
de la que tanto hablaron los ilustrados y que permitía encaminar la
sociedad hacia una comunidad en la que predominase lo común a todos, en
los tiempos que corren, valores como la extravagancia o la excentricidad pueden considerarse como sustitutos del anterior, igual de quebradores, y reflejados sin duda en las artes. Y es que el arte,
hoy día, se ha convertido en “una fuente de terror” (p.13) en la medida en la que no contribuye a un ensanchamiento de la realidad
mediante la inserción en el espacio de una novedad. Su finalidad
generalizada es meramente lúdica, carente del mínimo resquicio
de compromiso. Frente a esto, López Farjeat
apunta hacia una belleza ideal, esto es, no una belleza meramente
contemplativa. Se trata de embellecer el entorno,
sí, pero portando
ideas transformativas. De ahí la reivindicación
de la creación artística entendida como poiesis. Proteger la dignidad del hombre contemporáneo
implica atender a los contenidos que las personas exteriorizan y esto, en el arte, equivale
a dar cuenta de la esterilidad de la obra artística al no estar a la altura de las necesidades actuales, que
vuelven a ser, en cierto modo, las
mismas que para aquel hombre ilustrado que combatía contra el honor
individual: generar espacios que favorezcan
la vida humana, que sirvan
para vencer al tedio y fomentar valores
solidarios. La belleza aquí es tomada como el punto de partida
desde el cual es posible
replantearse el cambio.

En el primer
capítulo, “Experiencia y conocimiento de la belleza
múltiple”, Lluís

X. Álvarez sitúa el concepto de belleza múltiple como uno de los ejes fundamentales

dentro de su propuesta
estética, con el cual es posible avanzar desde la teoría a la
práctica. El autor empieza encuadrando dicha categoría dentro de
una tradición moderna que se inicia con Giordano Bruno, que ha sido recogida
por W. Tatarkiewicz y que cabe reivindicar en la actualidad aplicándole los matices
que son comunes
a nuestra sensibilidad
histórica. La belleza es múltiple como consecuencia del contacto
entre culturas, pero ha de encaminarse hacia la superación de toda
manifestación particular dentro de un horizonte de objetividad, como había planteado Bruno, pero que ya no se
corresponde con el Dios de su panteísmo y sí con una divinidad fragmentada.

A
continuación, Álvarez señala tres modos de
actuación de la estética a través de los cuales se
manifiesta la belleza múltiple, que han ofrecido avances significativos,
y que permite orientar esta
disciplina hacia la práctica teniendo en cuenta el pasado, las ideas y
las relaciones entre las diversas partes de un todo con el que
interactúa el arte: historiar, teorizar e interpretar. La historia estética, en primer lugar,
permite señalar las diferentes sensibilidades que han
convivido en una misma época, así como las variadas formas de concretar la belleza, para dar cuenta de
que lo natural es lo diverso, y para subrayar que las clasificaciones ofrecidas
por la historia, centrada exclusivamente en los hechos, son insuficientes para
trazar una genealogía del hombre múltiple actual. En segundo lugar, la capacidad de la estética para teorizar permite
a Álvarez insertarla dentro de una ciencia del arte entendida como
ciencias histórico-morfológicas de las artes (C.H.-M.A.)
caracterizadas por el peso de la perspectiva histórica, que tiende a
conectar lo diverso, y por dar importancia al criterio formal frente al contenido, el único
que puede ser de veras objetivo. Afirmar las C.H.-M.A. implica aceptar que la
belleza múltiple es una realidad. En cuanto a la interpretación, es la última fase epistemológica
y la que impulsa a la práctica. Consiste en el acercamiento desde la
perspectiva de una belleza local hacia un arte global que relacione toda
manifestación particular mediante la aplicación del criterio de la
calidad formal.

En el segundo capítulo, “Naturaleza bella en el límite. Desde el olvido
a la búsqueda reencantada de belleza”, de Mirian
Rodríguez Morán, se parte de la teoría weberiana del
proceso de desencantamiento del mundo para explicar el olvido de la belleza
como categoría estética fundamental. El triunfo de la razón instrumental, motivado por el frío racionalismo, supuso el
alejamiento del hombre de la naturaleza, la ausencia de mitos que sirvan
para explicar el mundo, así como la puesta
en segundo plano
de la belleza. La autora tiene en cuenta
la distancia habida
entre sujeto y objeto, entre
hombre y mundo, para plantearse la pregunta por el
papel que desempeñan en el presente tanto lo bello natural como el arte.
Ambos se definen por la indeterminación. La naturaleza, al ser
límite difuso de la ciudad;
el arte, al afirmarse autónomo. Pero hay algo que pueden decir

frente al reduccionismo
racionalista, y está en el
hecho de ser “espacios-refugio de una razón más verdadera” (p. 62). Lo bello natural
y lo bello artístico son presentados como complementarios, ya que la
naturaleza sirve al arte para acentuar las deficiencias de la razón instrumental y para buscar la belleza
olvidada en la gran ciudad.

El tercer
capítulo lleva por título “Más allá de la
belleza. Materiales para una revolución sensible”, y corre a mano
de Luis Feás Costilla. En él se plantea un arte que vuelva a integrar estética y acción social
para transformar el mundo. Lo hace recurriendo a propuestas como la de los surrealistas y la idea de belleza
convulsiva, Walter Benjamin y su tesis en torno al aura, los vínculos establecidos por Marcuse entre eros y estética, o la politicidad del arte de la que habla Jacques
Rancière. Todo para cimentar
una comunidad estética fundamentada en valores generales
y dentro de un clima de confianza
en el que la política es vista como creación de
espacios de convivencia y la estética, la disciplina a partir de la cual
es posible canalizar la multiplicidad de sensibilidades que han de configurar
esos nuevos entornos.

El
siguiente trabajo, “Filosofía de la raza y estética: de la
resistencia a la ficción a la ficción como resistencia”, pertenece a Adriana Clavel.
Sus objetivos son principalmente
tres: en primer lugar, mostrar la
importancia que la filosofía de la raza tiene para la estética a
la hora de analizar la experiencia de la ficción. La filosofía de
la raza sería necesaria para la estética en la medida en la que
toma el concepto de ‘raza’ en su carácter operativo y no
esencial, permitiendo empatizar con las minorías sociales. En segundo lugar, reflejar cómo la
ficción contribuye a generar contextos opresivos. En concreto, se centra en los peligros
de la historia única consistente en la estereotipación de los personajes
en función de sus características raciales. En tercer lugar, sugerir una alternativa a los usos
que mayoritariamente se hacen de la ficción para favorecer la igualdad
entre la multiplicidad de razas. La propuesta gira en torno al fenómeno
de la resistencia imaginativa y emocional que se produce en ciertas obras de
ficción, esto es, a las “ocasiones en las que los espectadores encuentran algo en la obra que provoca
que no quieran seguir participando en el ejercicio imaginativo”
(p. 105). La solución parte de
una reivindicación del papel moral de la ficción que
señale las deficiencias de las clasificaciones raciales y enfatice
en el acercamiento hacia las minorías como resistencia
ante la opresión.

El quinto capítulo, de Miguel Alfonso
Bouhaben, se titula
“Cine-ensayo y holocausto: política y
estética en Resnais, Godard y Farocki”.
En este trabajo se pretende pensar la imagen cinematográfica
teniendo al holocausto como tema de fondo. Con ello el autor se enfrenta ante un doble reto: pensar
el holocausto judío, teniendo en cuenta que desde Adorno se ha dicho que es un
acontecimiento imposible de comprender, y, además,
hacerlo mediante imágenes, que contradice el desarrollo del pensamiento occidental,

centrado en la palabra. Para
ello, analiza tres películas a las que aplica una categoría
determinada en función de la relación que se establece en ellas
entre epistemología e imagen estética derivada de las distintas
técnicas cinematográficas empleadas: Nuit et Brouillard de
Resnais, que encaja
dentro de la imagen-memoria, Histoire(s) du cinema de Godard, como ejemplo de la imagen-montaje, y Bilder der Welt und Inschrift des Krieges de
Farocki, como prototipo de la imagen-aérea. Son categorías
cinematográficas que sirven para ampliar, además, la
clasificación propuesta en los años ochenta por Gilles Deleuze.

El
siguiente capítulo, “La música escondida”,
está escrito por Angelo Sturiale y en él se habla de las
dificultades para la innovación musical hoy día, que exige ser
radical en un contexto en el que se tiende cada vez más al
“progresivo derrumbamiento de la conciencia histórica o aplanamiento estético de los lenguajes y estilos musicales” (p. 145). Desde su propia actividad como artista, Sturiale
apostó por conciertos acústicos en vivo que prescindan de todo componente
digital y se vuelva efímera la música, escondida, en tanto que no
contribuye al proceso de saturación del mercado. Posteriormente, ha
radicalizado más su práctica al buscar la musicalidad sin sonido, exteriorizando una idea musical a través de la escritura y del dibujo.
De manera que, a juicio
del autor, se puede
ir más allá de la música para despertar en el receptor
“un sentir musical” (p. 149).

“La
belleza inmanente o el arte como expresión en Benedetto Croce” de
Cristina Morales Saro es el séptimo capítulo de la obra. En
él profundiza en algunas de las aportaciones más destacadas de
Croce para el paradigma contemporáneo como son: el hecho de situar la
estética como forma teórica, lo que supone el primer paso en su
consideración como ciencia; su crítica a distintas nociones de
intuición para afianzar una definición positiva que la vincule
con la expresión; la consideración del arte como expresión haciendo
hincapié en sus consecuencias ontológicas y políticas que vierten en la defensa de una estética de la humanidad. Para que ésta sea posible, Croce sostiene la unicidad del arte y la pluralidad de la belleza,
porque a su juicio el arte es solo uno y para valorar la belleza no podemos hacer
otra cosa que atender a la obra en sí misma.

Rubén Figaredo
escribe el trabajo
“Brasil, dramaturgia de la vida cotidiana: apuntes para una
investigación”. Parte de una crítica al eurocentrismo
producido en la práctica artística para ofrecer, posteriormente, una definición de arte que sirva
para construir una alternativa. Figaredo
entiende que “el arte trabaja para ayudar al sujeto a identificar
sus males, aportar consuelo para aquellos que no tienen solución y
auxiliar en la tarea de acabar con aquellos que puedan ser eliminados” (p. 198). Desde ahí, el autor trata de
indagar en qué es Brasil
a partir de escenarios de la vida cotidiana y de distintos tipos de la
dramaturgia teatral. La tensión latente a lo largo del trabajo
está entre lo provincial y lo universal, encarnado lo primero
en Ariano Suassuna
y lo segundo en Jomard
Muniz.

Algo que también refleja
a través de El Demonio Familiar,
obra de José de Alencar. Una de las conclusiones que extrae es que la
creación artística es fuente de conocimiento de la realidad
social, en este caso, expresión de los grandes temas que preocupa al
pensamiento brasileiro.

El noveno
capítulo, de Thomas Heyd, lleva por título “La belleza en
Japón, Bashō,   y la estética del caminar:
por la recuperación del espacio, el reconocimiento de los lugares y el
seguimiento de los caminos del universo”.
Empieza con una justificación de la aprehensión de los valores estéticos de una cultura
distinta y que le permite
situar el tema: la defensa de la posibilidad de hacer un análisis estético del caminar. El punto de partida es Bashō, poeta caminante del siglo XVII, con quien se
fijan tres objetos de esta reflexión estética: el espacio, los
lugares y la naturaleza. El valor estético de atravesar los espacios
mediante el caminar se debe, por una parte, a “la experiencia de nuestros
cuerpos en movimiento y, por otra,
por la concreción del espacio” (p. 249). El interés
estético de conocer
otros lugares está en su utilidad,
pero, sobre todo, en lo que es por sí mismo. Su utilidad reside en el conocimiento, en servirle al caminante como orientación,
pero también radica en la belleza intrínseca al momento. En
cuanto a la relevancia estética del conocimiento de la naturaleza
mediante el caminar, habría en Bashō
una búsqueda de lo natural a través de lo personal,
que choca directamente con el propósito de las ciencias de
acercarse a ello desde una perspectiva impersonal y objetiva. Es una forma de volver a situar al hombre en el mismo camino del universo.

En “La Educación Visual. Pensamiento autocrítico para el arte y los artistas” Mariana Méndez-Gallardo analiza la
aportación de Mathias Goeritz en la pedagogía artística mexicana. La
educación que propuso Goeritz y que la autora reivindica actúa sobre
la sensibilidad, y lo hace a través de un método que abarca tanto una parte teórica, donde encaja la filosofía o la historia
de la estética, como otra práctica, de aplicación de técnicas
y empleo de materiales diversos. El contexto contra
el que se erige esta pedagogía es el
giro producido en el arte a lo largo del pasado siglo, cuando se hace patente
la figura del artista vanidoso, no comprometido, y cuando la crítica ha
sustituido a la obra en sí misma. Desde este clima de desconfianza, Goeritz
propondría una filosofía del hartazgo que
contradice el rumbo del arte contemporáneo buscando el sentido oculto de
las cosas a partir de una sensibilidad refinada.

Los dos últimos capítulos del libro llevan al lector a
Oriente Medio. En el primero de ellos, “La expresión
artística postrevolucionaria en Irán”,
de Shekoufeh Mohammadi Shirmahaleh, se combate la visión sesgada
que Occidente tiene sobre el arte iraní para ofrecer una perspectiva
realista atendiendo al desarrollo histórico de la producción
artística dentro de los acontecimientos más destacados en el
devenir de la nación. La autora destaca que Occidente tiende
a limitar la identidad cultural
del pueblo iraní en la

religión. En cambio, la realidad es siempre más compleja y esto queda expresado
a través del arte.
Hace un recorrido por las manifestaciones artísticas del país
desde el periodo de la dinastía Pahlevi hasta la actualidad, incluyendo también el arte del exilio.
Hoy día, en el
interior, se estaría llevando a cabo un arte que expresa una identidad
híbrida, en la que lo tradicional e histórico son tratados de
manera crítica e irónica, pero bajo la forma de la metáfora o de la alegoría, capaces
de pasar el control del régimen totalitario. Por lo contrario, en el exterior
encontraríamos posturas de lo más variadas: artistas que rechazarían lo islámico,
pero no para acercarse a lo occidental, sino para buscar una identidad
alternativa; habría quienes, por lo contrario, siguen
reafirmándolo; y otros, a diferencia de los anteriores, que estarían movidos
por un afán universalista.

El libro lo cierra María Molina con el trabajo titulado
“Shirin Neshat: el puente entre la identidad, el estereotipo y el
contexto socio-político”. Neshat es presentada como un artista
que, desde la fotografía y el cine, ha intentado rebasar los
estereotipos y el contexto político para proyectar una imagen sobre
la mujer iraní. Y, además, al vivir entre dos culturas, la occidental y la oriental,
ha sabido dirigirse
a un público amplio, poniendo de relieve asuntos como la memoria,
el uso del velo o la posición que desempeña la mujer
en la sociedad islámica, enfocados principalmente desde una perspectiva
filosófica. En este sentido, el arte se muestra una vez más como un aparato
crítico y transformativo de una realidad particular pero insertada en un contexto
global con el que dialoga.

En
definitiva, La belleza múltiple presenta
un contenido actual, crítico, que permite pensar la realidad y embellecerla con ideas transformativas. Los trabajos que componen
la obra son muestras de una estética de la resistencia contra fenómenos que encarnan las variantes de la injusticia y en favor de discursos
que, bien por su origen o escaso respaldo
político y económico, todavía están lejos de formar
parte de la comunidad estética que
debería constituir el paradigma futuro.
Para entonces podremos
contar con la belleza, ya que
en su multiplicidad ha vuelto a surgir.