112                      ÑAWI. Vol. 4, Núm. 1 (2020): Enero, 113-121. ISSN 2528-7966, e-ISSN 2588-0934

Andr

Diálogos sobre
la situación de la danza contemporánea en Guayaquil, en el marco
del séptimo festival internacional Sonido
y Movimiento

En Ecuador se llevan acabo cada vez más eventos
de arte, comunicación y audiovisuales. En este
caso, el séptimo encuentro organizado por la Escuela
Superior Politécnica del Litoral,
Guayaquil, con un festival de música y movimiento.

Presentadora: Buenas tardes con todos. Bienvenidos a esta mesa de diálogo del séptimo festival internacional Sonido y Movimiento, organizado por ESPOL. Esta mesa, que cuenta con expertos en danza contemporánea, va a ser moderada por la periodista Clara Medina, que nos está haciendo el honor
de acompañarnos en esta mañana, y también con los compañeros Irina Pesantes,
Lorena Delgado, Jorge Tabla, María Luisa Gonzales y Omar Aguirre.
Sin más, le voy a entregar el micrófono a
nuestra moderadora.

Clara Medina:
Muchas Gracias, y bienvenidos. Gracias
al público que nos acompaña hoy, y nuestras
gracias también a los panelistas. La idea es que conversemos una hora sobre la
situación de la danza contemporánea en Guayaquil. Ellos no necesitan
presentación, pues son reconocidas figuras
de la danza, por lo cual entremos
en materia y demos comienzo
a este dialogo. Debemos
comenzar por el principio, y el principio
es el siguiente: ¿Qué es la danza contemporánea? Les
invito a reflexionar sobre eso. La idea es que haya
una interacción, una integración
entre los panelistas; que no sea un monólogo, sino que puedan retroalimentarse e interrumpirse, diciendo: “bueno, quiero acotar tal y tal cosa”. Entonces, ¡Omar!, te doy el micrófono
a ti.

Clara Medina Periodista Guayaquil, Ecuador

Irina Pesantes, Lorena Delgado, Jorge Tabla, María Luisa Gonzales y Omar Aguirre Artistas

Guayaquil, Ecuador

Omar: En realidad soy un poco malo a la
hora de hablar. Me preguntan sobre la danza contemporánea, pero es bien complejo dar un sentido,
¿no? Lo que puedo decirte,
tal vez, es de un maestro que
al reflexionar sobre de la danza contemporánea decía que no es
necesariamente un conjunto
de pasos específicos o estéticas específicas; tiene más que ver
como una actitud. Tiene que ver con la experimentación, con la necesidad. Una vez vi una
película sobre Madrid, de ballet específicamente, y había una escena de la profesora en la que le dice al alumno:
“Tú tienes
que ser bailarín, pero tienes que
ser más que
bailarín, tienes que ser artista.
Por qué el bailarín no gana, el artista arriesga”. Entonces, también para mí, la danza,
específicamente la danza
contemporánea, tiene que ir con todo; arriesgar, experimentar, que te hable
desde el corazón. Qué quieres decir,
a dónde quieres
ir, qué quieres romper.
Yo pensé así,
cuando empecé con la danza contemporánea

Clara Medina:
¿Alguien más que quiera
complementar el concepto
que nos acaba
de dar Omar? … ¿Irina?

Irina Pesantes: Buen día para todos.
La danza contemporánea, para mí, es la esencia
de cada creador, sacando
lo más auténtico de lo que quiere ser, de su ser, de su pensamiento, de lo que quiere expresar. Además de los pasos y las técnicas aplicadas, en sí es lo que quiere dar al
público, lo que quiere expresar, lo que quiere
decir, lo que quiere que ellos entiendan, lo que quiere que ellos procesen,
lo que quiere brindar a la sociedad,
lo que quiere cambiar de esa
sociedad con el mensaje que se está dando. Eso es para mí la danza contemporánea; es decir, tratar de causar
una reacción, causar
pánico en el público, que esto cree un impacto que pueda llevar a la reflexión. Y eso es,
sencillamente, lo que
una busca, lo que cada
creador busca dejar. Una huella que quede impregnada, y que pueda influir en una sociedad.
Eso, para mí, es la
danza contemporánea.

Persona 4: Buenos Días. Quiero
compartir con ustedes
algunas cosas. Mi primera reflexión quiere señalar
que le pasa algo parecido a la música y a la literatura. Por ejemplo, Los hermanos Karamazov
de Dostoyevski , Un cuarto propio de
Virginia Woolf, La montaña mágica de Mann u Hojas de Hierro de
Vallejo, son para mí importantes no por la técnica, sino por
el descubrimiento de aquello que va más allá de la narración. Sin embargo, no creo que el
tema sea tan simple. Porque en la danza el ejercicio de la mirada va siempre
de la mano con la construcción social
del gusto y con la necesidad de afirmar actividades corporales, que
danzan desde la adversidad y desde la periferia. Entonces, de esta manera,
se añade tensión a la complejidad, en donde
se mueven las artes escénicas. También, más que estilos, modas
o tendencias de todo
aquello que viene
del “post”, o dicho de otra manera,
una danza actual
en nuestro país, se está nutriendo de inquietantes preguntas en el terreno móvil, como nos diría Ernesto Ortiz.
Y, para ello, la experimentación no solo es un camino
y una herramienta para la creación, sino que va más allá como proceso y metodología.

Persona 4: Veo otra
cuestión. Si es que la danza contemporánea nos invita a repensar el cuerpo, el espacio y el tiempo; y, también, si los individuos son
todos artistas-creadores. No lo sé. Deberíamos tener un movimiento tan dinámico y vital en el país, que enraizase en el mundo social y sobre todo en el mundo interno-colectivo. La danza actual,
la danza de nuestros
días, no viene
sola; tiene un pasado convertido en presente, que se convierte en futuro. Y en Guayaquil tiene
un rico y potente legado desde los años 30, 40 y 50, con el esplendor del ballet de Guayaquil. Una danza que se inaugura
fulgurante, porque acoge a
experticias y maestros
de afuera, con un ser lleno de importantes nombres
y destacadas figuras. No voy a hablarles de destrezas de destacadas figuras…que ustedes conocen mejor. Pero, paralelamente, en el ballet
de Guayaquil, que fue importantísimo, ya venían preguntas

y preguntas que fueron poco a poco cambiando. Y, en los años 70, el ballet
encontró sus propias co-tradiciones, entre
disciplina, técnica, coreografía y público. Mientras, en Quito o Cuenca,
también se había iniciado un camino de permanente emoción. Estas líneas

o vectores de fuga que trazan el ámbito del saber hacer y el querer permanecer tienen sus propios detractores o sus caminos
en descenso, que como la alegoría de Eugenia Barra
dice: “El devenir histórico se parece a la gran ola del mar, en la que llega
a una altura con punto sublime, y luego baja con estrepito
crujir. El continuo
permanente será siempre
el cambio continuo de la historia
no lineal y estática, sino de aquello
que corre por arenas movedizas, por caminos inciertos, que hacen de la inestabilidad y la incertidumbre lo fructífero de la
creación nueva para que la ola que viene vuelva a su punto de
máxima luminosidad”. La necesidad
de experimentar con varios diálogos, y de experimentar con lenguajes cruzados desde las artes escénicas,
no solo son algunos elementos que ubican a la danza como el sujeto de acción, sino
también como sujeto
político que desplaza a la coreografía. Entonces se da paso al cuerpo en sentido
de sujeto. El cuerpo diverso que tiene de memoria como identidad única e irrepetible que crea, que se presenta
y representa. Si hay algo interesante en esta
modernidad tardía que entra en el campo de la contemporaneidad beligerante y líquida,
como dice Bauman, es precisamente pre-conocer la diversidad, lo distinto, lo
otro; entonces y solo así se puede construir
mundos paralelos y múltiples, que sean capaces
de convivir en tiempo
y espacio. Subjetividades y sensibilidades para
salir de ese
campo de la comodidad, y entrar en el plano
del juego y la fiesta,
a la que nos invita
a pensar Echeverría. El tiempo fuera de
lo ordinario, diría, permite estar en el tiempo,
que da resistencia; aquel tiempo
que nos da el ocio, que es necesario para el tiempo
extraordinario. El ser humano como ser histórico en el campo de la danza, ahora cuestiona
las formas del saber, del pensar y del hacer. Ese
cuestionamiento, del que habla Patricia
Cardona, que dice que la danza muestra
su poética de enseñanza, la danza como metáfora de vida, incluye
en su cotidianidad, el sentir, el pensar
y el
hacer. Por fuera del pensamiento cartesiano, “pienso luego existo”, dirían los filósofos del cuerpo, “siento luego existo”.
Pero descolonizar esa línea de nuestros cuerpos es también descolonizar el hacer. Los niveles
de consciencia serán siempre los que aparecen en el tejido, en
este tejido de experimentación, la reflexión filosófica
como proceso propio de la creación creativa y por supuesto, del oficio.
Si existe inspiración, que nos encuentre trabajando, había dicho Picasso.
Entonces, este espacio
verídico, esta tierra insegura, es fructífero para la danza contemporánea. Gracias.

*Aplausos*

Clara Medina:
Bueno, tú has dado una bienvenida en este texto
que has leído, y retomamos ahora, un poco, la conversación… ¿no? Porque la idea es que aquí conversemos sobre qué es la danza contemporánea y la situación en que se haya. Tú mencionabas Guayaquil, y te

remontabas un poco a la década del 30, y luego volvías de nuevo a los años 40, a los 50 y así
hasta la actualidad. Me gustaría ubicar el inicio
de la danza contemporánea en Guayaquil,
y para eso le doy la palabra
a Jorge. ¿Desde cuándo se habla de danza contemporánea en Guayaquil?

Jorge Tabla: Yo pensaría
que, sin error, sin temor a
equivocarme, que a finales de los 80 precisamente, en el año 89
exactamente, para ser muy exacto. Se comienza a dar los primeros indicios
de la danza contemporánea en Guayaquil con la llegada
de Lucious Kent y con la aparición de Jules
Sarao, en ese momento. Recuerdo que, justamente, yo estaba saliendo de una…yo le digo pasión, que era el ballet. Estaba
terminando como un proceso,
estaba eligiendo entre
el ballet baile
sereno….Y decidimos juntarnos con unos compañeros,
para ver si bailábamos, y sucedió que Philip fue invitado a Guayaquil para que hiciéramos una coreografía para esta compañía. Entonces
yo estaba en Quito, tratando
de estudiar en el instituto de la compañía, y también estaba
viendo si trabajaba en ese momento
con Shou Jonhson, con unos proyectos que se iban desarrollando ya, con un trabajo más suplemental, porque yo aún no tenía una
noción muy amplia de lo que ahora se conoce como danza
contemporánea. Y lo invité al muchacho, le propuse que viniese a Guayaquil a trabajar con Shoubert. Ese trabajo nunca se dio en ese preciso tiempo,
pero esto fue el punto de partida para invitar al muchacho
a conocer Los Caídos de la Noche, que fue la primera obra que se presentó
en Guayaquil con Miguel Álvarez Arojo.

Lorena: Sí, entonces
ahí es donde creo que se consolida
esta mesa actual,
donde podemos ver realmente
estos mecanismos exploratorios, estos mecanismos investigativos, donde nos podamos ver como conceptos
políticos, donde nos veamos como intérpretes, donde nos veamos como creadores, donde
rompamos completamente esta barrera de solo
ser ejecutantes; donde podamos
proponer, donde se empiece a quitar esta
barrera entre lo que
hacemos cuando estamos haciendo teoría
y cuando estamos haciendo práctica. Como todas estas discusiones que vienen sucediendo desde hace muchísimo tiempo, no son de ahora, esta transformación continua
que tenemos que respetarla para poder seguir
siendo actuales y reconocer a la historia
como un hecho
regular, pero también con subidas y caídas históricas que nos hacen encontrar o creer que encontramos siempre
algo nuevo. La otra pregunta
era..

Entrevistadora: Qué comunica en este caso, qué quiere comunicar.

Lorena: Yo siento que
esta danza actual va a estar llena de preguntas, llena de posturas de
cómo responder cosas, en constante diálogo con la sociedad en un
vínculo indudable con el público. Pero trasciende el entrenamiento hacia el público, ahí yo siento que viene esto, no es tanto
si queremos comunicar algo o no, si puede
o no puede, porque la danza
contemporánea abre un sinfín de posibilidades. Hay tantas creaciones como creadores, hay

tantos estilos como bailarines, y hay tantos contenidos o tantos mensajes
como público presente. Entonces,
la libertad que se da para determinar la comprensión de las obras es
infinita; realmente creo que sobrepasa
el hecho de discutir si podemos llegar o podemos comunicar algo. Lo importante es qué postura
tenemos nosotros para que lo que estamos haciendo
tenga sentido.

Entrevistadora: La siguiente pregunta es: ¿Qué dificultades tiene la gente
que se dedica
a la danza contemporánea en guayaquil?

Irina: Hay muchas dificultades, a parte de lo que todo sabemos, la parte
económica, los auspicios y todo eso; pero una de las mayores
dificultades que los creadores tienen que tratar de sobrepasar y ayudar es que el público quiera
y entienda o trate de amar la danza
contemporánea. Porque cuando los creadores
hacen un montaje,
por ejemplo, no vemos
a la gente; generalmente la danza no es tan acogible. Entonces tenemos que
tratar de que el público comience a amar la danza contemporánea, porque aquí en nuestra ciudad lamentablemente hay mucha audiencia
para lo que es show, para las conferencias…Pero,
si uno quiere decir algo o uno quiere captar al público con una danza, no llama mucho la

Imagen: Andrés Denegri

atención; entonces, es difícil aceptar
los requisitos. Es poca la asistencia del público, y tienes

que hacer publicidad y tienes que llamar y ofrecer cortesía gratis. Lo mejor
de un montaje es enamorar al público, tratar de que ellos quieran
asistir; pero eso es difícil, es muy duro para
las personas que tardan en hacer un montaje, y que tratan
de hacerlo todo lo mejor
posible, y la asistencia es poca. Es bien difícil, es muy
difícil. Por ello, el mayor reto que tenemos nosotros los creadores es tratar de ampliar este círculo y de enamorar
a la gente; tratar que se
haga más grande el público, la asistencia a los espectáculos
de danza contemporánea.

Medina: Completando con lo que dice Irina, yo también pienso que es un asunto de la liada
del  público.  El
gusto  es una

construcción social, entonces la danza contemporánea tiene que tener aquellas personas que convierten al público
en cómplices, aquellas personas que van haciendo un hábito de vida
de ese descubrimiento, que pasan del tema de la
contemplación pasiva de estar en la butaca, que podría suceder en lo clásico, que es

muy lindo y nos causa
como un asombro
al ver que pueden hacer
tantas cosas y tan bonitas
en cuanto a lo técnico. Pero, en cambio,
el espectador actual
también tiene que vivir el momento
en concreto, vivir el momento como involucrándose en el hecho
creativo del escenario  y entrar en
una revelación en donde de ya no ser solamente contemplador. Entonces,
el espectador ya tiene
una experiencia diferente de vida, ya no está sentado en la butaca, pero eso
significa que tiene
que tener también un criterio, ir desarrollando la crítica y el criterio. Si la danza moderna, la danza actual,
la danza contemporánea, la danza de nuestro días quiere difundirse desde otro lugar,
desde otros lugares,
también el espectador tiene que ponerse
y abrir su sensibilidad desde otro lugar.

Moderadora: Bueno, escuchándoles tengo algunas preguntas, me surgen
algunas inquietudes, sobre los públicos. ¿Los bailarines
también tienen responsabilidad en la formación de públicos? No lo sé, es una pregunta
que les planteo.
Y, por otro lado,
la historia de Guayaquil
nos dice que siempre ha habido muchas academias de danza, pero luego esas academias no forman como a largo
plazo bailarines o grupos que permitan una actividad
sostenida de danza.
Siempre estamos con las dificultades tal vez de hace veinte
años…Porque, en la historia
de la danza, da esa sensación de que siempre
estamos iniciando. ¿Alguien desea contestarlo? Jorge, tal vez, o Lorena.

Lorena: Quiero hacer
una reflexión. Ahora,
escuchando a Omar, siento que lo podríamos
llevar a nivel
nacional, porque podría hablarles de Cuenca
con otras situaciones. Y bueno, viví un tiempo en Quito,
donde también se produce un sin fin de complejidades con respecto a esa
misma situación de los públicos. Porque si bien,
por ejemplo, nosotros
podríamos ir a Quito
a ver obras y ver teatros llenos,
o medianamente llenos,
vamos a otra obra y es el mismo
público y vamos
a otra y es el mismo público y vas a otra que ya es pagada y ya no está nadie en
ese público. Entonces,
debemos aprender también cómo quizá no se tendría que hacer
público. A mí me parece muy importante esto que dice Omar, porque si es cierto
que todos iniciamos porque
queremos bailar, y es cierto
que poco a poco se nos van metiendo miles
de explicaciones en la cabeza y no solo en la cabeza, sino en lo corporal también, porque uno empieza por el gusto de bailar prácticamente en clase de técnica muy seguida y de pronto les ves a estudiantes que lo único que les queda
es bailar, empezar
a hacer esa repetición de cosas
que ya no alimenta nada de tu primera motivación, sin embargo creo que sí hay que ser cuidadosos en el sentido
de “¡sí, seguimos
bailando! Y sigue esa motivación, pero también
queremos que la danza trascienda, porque también hablamos
de la danza a nivel
artístico, entonces en ese sentido responde
a una evolución artística, y estamos hablando
de la danza escénica que tiene
una comunicación, o sea indudablemente existe todo eso
para que pueda estar dentro de esta consideración, no podríamos hablar
de las danzas de competencias o las danzas de entretenimiento, que ya responden a otras dinámicas. Hay que señalar que sí,

que indudablemente bailamos, pero al
mismo tiempo tenemos que realizar la trascendencia de esto,
sin malinterpretarse tampoco
y se vuelva solo como la danza
conceptual, porque
también volvemos dentro del destino
de la danza contemporánea, si queremos utilizar
ese término, también tenemos o somos muy conceptuales o muy experimentales o también una forma de irse por el humor o solo en la exploración corporal,
sobre todo en los finales
de los 80, 90 se puso muy de moda en las compañías
europeas y ahora pareciera que están regresando y en Latinoamérica se están volviendo muy fuertes, entonces
incluso la imitación a esas investigación se vuelven cada vez más profundas y eso también es de temer, un ojo
hacia eso. Ahora, en relación a esta pregunta
de si nosotros somos responsables de formar al público: creo que todos, al considerarnos creadores, al llevar esta barrera
de intérprete/ creador, yaviene
implícitamente una responsabilidad hacia al público que, como decían, como decía hay una responsabilidad social,
entonces sí quizás no tengamos la campaña de crear
qué públicos pagan,
pero si no podemos estar
atestiguando eso, peor
en nuestra sociedad, o sea si bien
es cierto que
nuestros familiares son
los primeros que
a veces no quieren ir. Una vez
mi mamá va porque me veía bailar,
pero cuando los
años pasan ya lo dudan.
Pero sí, creo
que más que educar,
o sea indudablemente tiene que ser el cómo les vamos a hacer que asimilen,
no llevarlos a lugares donde
quieran salir corriendo, pero también creo que tiene
que ver con la
sensibilización, la sensibilización con la sociedad que
está mediáticamente bombardeada, una sociedad en donde ya no tienen
la necesidad de ir al teatro, ya no quieren
esas sociedades muy lentas,
muy aburridas; vivimos
en una sociedad de desechos, todo
quieren quitar, todo se quiere
borrar, todo se quiere eliminar, entonces el hacer
arte en general
en una sociedad así es bastante
complejo, entonces yo si creo que nuestro
deber hacia el público, hacia la gente que
nos rodea es la sensibilización, sobre todo a los niños porque ellos son la sociedad
que de verdad van a interesarse en algún punto,
o sea yo siempre comparto, si tiene danza
o tiene teatro o tiene música cuando eres niño es una sociedad
en donde lo va a ver normal,
que lo va a buscar cuando
sea grande, pero
si nunca se le da eso, si solo está el fútbol desde
que eres niño entonces
lo único que vas a buscar es eso, no vas a buscar otras
cosas.

Entrevistadora: Un detalle en la declaración de
públicos. Alguien dijo que sostener públicos y crear públicos, además de que
sea un programa o proyecto, una
intencionalidad, es hablar de espacios afectivos, crear
mundos afectivos entre
los que están por este lado y los que
están del otro lado, porque
es cierto lo que dice Lore: nos ubicamos en donde estamos
como sociedad, el fin, pero el ser humano
ante todo no dejará de ser humano,
a pesar de todas las tecnologías. Y hay un elemento tan decisivo como es aquello
de que el arte y la danza, por
más actual, por más que incumple, por más subjetiva que sea tiene
que tener una poética que va de mano con la estética, no solo
la poética de la que habla PlIamtóagnesnin: AonmdráéssaDlleán,eagqriuella que construye y dialoga entre
lo poético y la tragedia. El ser humano
está vivo siempre
con

la idea de la muerte,
y en la actualidad aparte
de estar fragmentados como sociedad, estamos
en un mundo en el que vivimos la violencia a cada momento,
cada instante de forma soqueada, y la muerte
está presente, entonces
la tragedia y la poética, en pertenencia a Platón pero volviendo a nuestro días, es aquello que nos
puede dar un mundo afectivo
con el otro, desde las
afectividades construimos los mejores públicos, con los
niños, los jóvenes o los abuelitos.

Jorge: Sí, todavía pasa cuando uno hace una danza
contemporánea por ahí con un grupo que estaba haciendo ballet
está perdiendo la línea, están pensando  que
no  se  están  viendo estéticamente,

porque no sé de técnicas, eso aun en nuestros
días pasa mucho, bueno ahora me quiero definir básicamente en el tema de los públicos, yo creo que
limitas que haces.
Guayaquil está teniendo un momento
muy importante, creo que la universidad es el mejor suceso que le pudo pasar a este evento,
a la danza contemporánea como carrila, que hay gente
joven que está aquí, y algunos que se están formando, yo lo que pienso
es que hay que motivar
la creación, porque si ha habido
una escasez de creadores, cuando
hacían estas preguntas porque no se ha sostenido este movimiento desde
los años 80, desde que empezó, precisamente porque se formó un grupo de gente pero lo que hizo no tuvo continuidad; y, si tuvo continuidad, no tuvo la continuidad suficiente porque hay que informar,
hay gente que vaya, pero no ha habido
proceso de creación, para que se genere un movimiento específico, lo suficientemente sólido en la ciudad para que eso también genere público. Es decir, la presencia de la danza en la escena, hace que el público sepa de qué le está pasando
a la danza; si nosotros
no requerimos danzar de manera coherente en el escenario la gente se olvida, precisamente por lo que decía
Lorena, por ese hincapié en el que
las cosas pasan,
porque es como
un tuit, todo
tiene que ser muy
rápido, de modo inmediato, entonces
yo creo que si está haciendo falta intensificar que la responsabilidad que yo decía del tema del
público, a parte
de los creadores, es mantenerse
vigilantes, y todo eso es una alta resistencia aquí en esta ciudad lo es porque cuesta mucho,
cuesta mucho producirla, porque es muy difícil que alguien se incentive. Entonces, más allá
de aquellas cosas que nos han desilusionado sobre cosas que pierdo la esperanza y luego la recuperó de nuevo, pasa todo, a veces pensamos
que la música contemporánea puede
ser muy fácil, porque
puede ser cualquier cosa, entonces es como esa visión de la danza,
yo creo justamente el tema de la universidad de que vaya
más allá, de lo formal,
de la técnica hay un espacio donde el pensamiento donde se sustenta
mejor en lo académico, es fundamental e importante.

Porque el público es una suerte,
el público por más amoroso
que nosotros seamos,
es una suerte el que baila,
y para que baile tiene
que ver danza
en escena osea tenemos que estar
presente por que el festival
tiene 18 años haciendo danza, este año hemos
tenido el festival, no sé si el
próximo año va a pasar igual pero también hubo un
aprendizaje alrededor de la comunicación, alrededor de cómo
publicarlo, alrededor de la pregunta “¿qué
hacer?”, para que la gente se entere aprovechando la tecnología, las redes sociales, aprovechar los
amigos para que sean portador de una voz
de la danza y del
festival mismo, la comunicación
es importantísima, o sea tenemos
que aprender un poco de eso aspectos
porque cuando nosotros nos inscribimos en la danza
comercial que aquí en la ciudad,
por que necesitamos comunicar mejor
lo que hacemos y creo que es una carencia
que habido por que de repente
en esta especulación vital sobre
el no ser comercial de repente tenemos
la visión de que si somos
comercial todos, nosotros
vamos al teatro para que la gente pague al vernos y eso
es una forma de comercializar nuestro trabajo, que hay que entender lo que decimos
como comercial. Justo ahora
hay un proyecto de marketing que se vende
junto con las facturas de compras de fin de año de un centro
comercial, y eso es un éxito rotundo,
pues ya van por cinco o
seis años. Es decir, más alla de todo esto nosotros
podemos extraer cosas desde el punto
de vista del marketing, de la publicidad, que avancen junto
con la mía al teatro.
Pero yo creo que
la comunicación no la hemos
estado formulando de la mejor
manera; también nos
falta encontrar caminos para comunicar mejor lo que hacemos, y sobre todo que estén todas las exigencias que yo refería que deben estar presentes. Vamos a hacer que la danza suceda…